该画采用对称式构图，庄重而简炼，宁静而简朴。尤其是，构图饱满，色彩深沉富有内涵，容貌描绘得极为细腻、感情复杂、含蓄、主体形象没有被细节的刻画所影响，反而更加突出。
人物色彩深沉而富于内涵，容貌刻画得极为细腻、情感深邃而含蓄，背景运用“丰收”的金黄，来加强画面的空间感，体现了人物形象外在的“苦”和内在的“美”。
作者在基本上没有故事情节的头像中通过放大细部的方法，描绘真实感和加强艺术感染力。在这里，细节的真实不是自然主义式的不加取舍地罗列，而是深思熟虑的、别具匠心的艺术创造。
创作背景20世纪70—80年代，社会处于变革时代，人们的价值观念发生了极大的变化，主体意识开始觉醒，艺术的表现意识深化，这就形成了一个良好的客观的环境。反映在艺术创作上，艺术家开始对周围身边的琐事及普通人民产生浓厚的兴趣，从而改变了以革命领袖为主要描绘对象的创作方法，《父亲》就是在这样一个良好的氛围下应运而生的。
重要展览2015年06月19日，“走向西部——中国美术馆经典藏品西部巡展·重庆”在重庆美术馆开幕。包括罗中立《父亲》等98件中国美术馆馆藏西部主题作品亮相，这是继中国美术馆收藏之后，《父亲》原作首次“回家”。
参考资料来源：百度百科——父亲
油画艺术展览简介感想体会怎么写
艺术品摄影，要细腻的表现，自然要更高的像素。
我是说真的不考虑价格。请用哈苏或者玛米亚的645/6*6系列相机配用哈苏/飞思数字后背。比如哈苏503CWD相机配合飞思的P65 后背。不过这样的方案要20万元以上（机身镜头和后背都是很贵的），而且要非常出色的摄影灯光布置技巧。
退回到135单反这个层面，我推荐使用佳能EOS 5D MarkII机身配合EF 50mm/f=1.4 USM镜头。理由是5D MarkII是目前两万元以内相机综合画质最出色的产品之一，而50/1.4镜头则是画质/畸变/价格比较理想的平衡点。综合下来2万元的配置。注意拍摄前调试白平衡，以便保证色彩的准确，请用灰卡手动设置白平衡，用相机的可靠设置色彩风格进行输出。
如果要继续降低价格，可以用尼康D7000机身配合35mm/1.4G这款镜头的单反配置，价格1万上下，也算是不错的选择。白平衡也要用灰卡哦。
再退一步，随意一款5000元内的单反相机，配合同一家生产的50mm /f1.8镜头，价格5000左右，白平衡用灰卡，色彩……自己想办法吧。
继续降……呃……色彩自己找平衡吧，松下LX3，奥林巴斯XZ-1，佳能G12。白平衡都要用灰卡哦~~~
油画艺术展览简介感想体会与收获
作为普通人，参观美术馆，想要更有意义：
要找准什么是值得一去的美术馆，不要浪费自己的时间和钱。
并不是所有的美术馆，博物馆都值得一去，也不是一个美术馆里的所有作品都值得看，都是最好的作品。那怎么能知道哪些是好美术馆，不妨问问身边了解艺术行业的朋友，或者上网搜寻一下此类的信息。像我2017年一月就去了一次北京的国家博物馆，完全刷新了我的三观，在我理解的应该出现在“中国国家博物馆”里的东西基本都没有出现，而不该出现的东西出现了一大堆。而如果你要去纽约就一定不要错过了大都会艺术博物馆，芝加哥的话就一定要去芝加哥艺术学院，或是去费城就不要错过了费城美术馆，若是去旧金山就不能不去SFMoMA——去专业的大美术馆看知名艺术家的作品，一般来说不会浪费时间。
Edward Hopper的油画，在惠特尼美国艺术馆
第二，明确自己的参观目的。
什么是“更有意义”的参观，也许每个人的理解和要求也不一样。遇见一个神奇的人工景色，成为拍照的神器，回来可以发朋友圈，这是一种参观的模式；“有意义”的观看，也可以是近距离的参观大师的作品，看到原作的细节，启发自己的创作；“有意义”的逛美术馆，也可以是看看艺术界的最新花样，看看有哪些新的视觉传达方案，有哪些新的艺术议题。
这三种“目标”的指导下的获得的参观体验都是不同层面上的“有意义”，你在选择美术馆和展览的时候就可以根据自己的“有意义”要求来选。
举个例子，如果你喜欢拍照，希望刷新朋友圈的逼格，不如去看看最近有什么新媒体艺术展和装置艺术作品，例如龙美术馆的James Terrell的灯光装置展，就很适合拍照，或是北京Pace Gallery的日本新媒体团体TeamLab的展览，也是营造了一种人工数码美景，或是纽约的New Museum去年上演的Pipilotti Rist的大新展览“数码森林”（Pixel Forest）也能充分满足你拍照的需要。这些大型装置艺术，新媒体的“沉浸式”的展览，都很好看也很好玩，参观作品基本不需要任何专业艺术史知识，艺术家会给你制造好一个梦境，你去感受，去做梦就好了。
第三，我觉得“好奇心”和“包容心”在参观艺术展览时是非常重要的。
对于任何人来说，一种open-minded，开放性的对话是理解一件艺术作品中最重要的工具。在面对我们的不理解的作品时，不要有抵触和诋毁的心态，而是用一种好奇和包容去打开对话。很多时候，一件作品的确会于你的个人审美，个人趣味，甚至是与你的价值观和信仰产生冲突，但是这不是你去质疑这件艺术品是好还是坏的标准。
对一件当代艺术的作品抱有不满和不理解很正常，我们要记得它的功能是反思，那么这件作品点燃的你的不满和不爽、不喜欢与不解，也许都是让你提出问题，进行讨论和激发辩论的一种手段。
我觉得提出问题可能是欣赏和解读艺术作品的第一步。不要因为一秒钟的看不懂就放弃，就蔑视，也许多看几次，瞅一眼做的说明，读一读艺术家的文字，可以引发出你的思考，也许还能激发出很强烈的反应。
第四，请在遵循美术馆的规定和艺术家的指导下，尽情享受这件艺术品。
美术馆的基本守则是：不要触碰展品，不要大声喧哗。在这两项基本原则之下，请你尽情观察。你也知道，现在的一些作品是可以被触碰，甚至可以参与其中的。所以美术馆里，在面对一件作品时，你还可以咨询或者观察一下周围的人，或者最好去阅读一下这个作品的信息，看看这个作品是否是可以触碰和互动。
如果是交互式和参与式的作品，就请大胆使用，融入作品环境，然后动用你的一切感官，调动你的眼睛，你的耳朵，你的鼻子，如果可以触碰，也请放心地按照指示去触摸这些作品。然后用你的身体感官所收集到的信息告诉自己这是一个什么体验。
它是否可以启发你的一些联想？或者是让你丧失一些感觉，从而掉入艺术家设计好的圈套？例如那些利用烟雾和光色让你丧失方向感的装置艺术。
作为观众，我们在构建一件艺术作品意义的过程中发挥着非常重要的作用。罗兰·巴特早就用他的书《作者之死》告诉我们，艺术的意义现在归于观众了，而事实证明，观众的想法和参与很多时候真的会影响到一些艺术家的作品。
观众通过提供他或她的个人反思，经验，意见和解释来完成一件艺术作品所期待的对话。而例如像是互动性的艺术作品，没有了参与者，没有了观众，这个作品就不完整，甚至不成立了。
